I concerti di Asolo Musica allo Squero

La prima bella notizia è il ritorno alle esibizioni del Quartetto di Venezia, in pausa verso la fine dell’anno scorso, a causa di problemi di salute di uno dei valenti musicisti.

L’ensemble veneziano ha aperto con un doppio appuntamento la rassegna e la chiuderà con altri due. Il repertorio del concerto d’esordio prevedeva tre autori, Mozart, Kodaly e Beethoven, del quale il Quartetto nelle passate edizioni aveva eseguito l’impegnativa integrale per quartetto d’archi.

Del celebre Amadeus si è ascoltato il “Quartetto per archi n.20 in Re maggiore Hoffmeister”(Vienna, 19 agosto 1786). E’ dedicato all’editore Franz Anton Hoffmeister, il quale aveva soccorso il musicista, in gravi difficoltà finanziarie.

In quattro movimenti, l’Allegretto è melodico e cantabile. Oltre al primo violino, solisticamente emerge il violoncello. A volte sembrerebbe utilizzabile come commento filmico (ho pensato a Psycho di A. Hitchcock). Ancora una buona parte riservata al violoncello nell’Adagio, di nuovo in evidenza come solista.

Avvincente, il “Quartetto per archi n.2 op.10” di Zoltan Kodaly, in due movimenti. Assai complesso, composto tra il 1916 e il 1918, il pezzo unisce le armonie pentatoniche e le inflessioni della musica popolare ungherese con echi dell'impressionismo francese (in particolare di Debussy) .

Conclusione con il lungo “Quartetto per archi n.8 in Mi minore, op. 59, n.2 Razumowsky” di Beethoven, composto tra il 1805 e il 1806 a Vienna e commissionato dal conte Andreas Kyrilovich Razumowsky, ambasciatore russo a Vienna. I musicisti, attraverso un arduo e faticoso impegno, riescono a rendere emozionante una pagina eroica del genio di Bonn.

“La forma e l’energia”, titolo del secondo incontro con il QDV, mi ha permesso di ascoltare per la prima volta l’ensemble in una composizione di Bach, “Passacaglia e fuga in do minore”, trascritta per archi dal violista danese Joseph Jorgensen. E’ un’opera giovanile, composta tra il 1708 e il 1717 a Weimar. Bach costruisce la composizione articolandola in due parti che contengono, rispettivamente, venti variazioni e un lungo «tema fugato», come indica l'autore .

A seguire, il “Quartetto per archi n.1 in Do maggiore”, composto da Ferruccio Busoni tra il 1880 e il 1882 a Lipsia. Suddiviso in quattro movimenti, il lavoro risente delle influenze stilistiche di Felix Mendelssohn e Louis Spohr.

Conclusione affidata al “Quartetto per archi n.3 in La maggiore” di Robert Schumann” (Lipsia, 8 – 23 luglio 1842). In cinque movimenti, testimonia la volontà dell’autore di approfondire con personalità anche la musica da camera.

Applausi generosi e sinceri, per un quintetto molto amato, in residenza allo Squero.

Il concerto successivo, “Reminiscenze”, ha riportato in laguna il pianista siciliano Orazio Sciortino (Siracusa, 1984), nominato “Musicista dell’anno 2024” agli “International Classical Music Awards (ICMA)”.

In collaborazione con il Palazzetto Bru Zane, il suo concerto è stato proposto nell’ambito del Festival “Il Tempo di Louise Farrenc”( Parigi, 1804 – 1875).

Sciortino ha proposto una serie di brani di un Romanticismo nascente, provenienti dall’ambito dei narratori : Juliette Dillon, che rivisita alcuni racconti di E.T.A.Hoffmann ; Charles-Valentin Alkan e Gioachino Rosini, che trasferiscono sulla tastiera impressioni quotidiane o racconti onirici ; Louise Farrenc e Franz Liszt che si ispirano a opere liriche coeve (“Il Pirata e i Puritani” di Vincenzo Bellini) per offrirne la loro interpretazione personale.

Oltre alla bravura tecnica e interpretativa, Sciortino è stato apprezzato per le brillanti spiegazioni tra un brano e l’altro, come se musicista e pubblico dialogassero nell'intimità del salotto di casa.

“Alla corte di Francia. La Danza come grammatica musicale” è stato il titolo scelto per l’apprezzato recital del clavicembalista e direttore d’orchestra francese Christophe Rousset (Avignone, 1961).

Tre gli autori selezionati dal musicista, vissuti nel 18-esimo secolo : Jean-Philippe Rameau (Parigi, 1683 – 1764), organista di provincia e teorico dell’armonia, il quale porta nella tastiera un singolare equilibrio tra rigore e invenzione ; Antoine Forqueray (Parigi, 1672 – Mantes-la-Jolie, 1745), celebre violista da gamba di corte, dallo stile potente e ardimentoso. Ha lasciato un repertorio intenso, che il figlio Jean-Baptiste ha trascritto per cembalo con una sensibilità nuova ; il terzo autore è il meno conosciuto – solo i clavicembalisti conoscono i suoi pezzi - , Pancrace Royer (Torino, 1703 – Parigi, 1755). Appartiene a una generazione successiva e mostra un gusto più moderno e brillante.

Decisamente gustosa la “Suite en Mi mineur”(1724) di Rameau, una serie di danze tra cui La Rappel des Oiseaux, uno dei suoi brani più celebri, che imita il richiamo degli uccelli.

Abile nel cambiare i registri dello strumento e nell’alternare l’uso della parte alta con quella bassa della tastiera, Rousset ha avvinto la platea per la bravura e per un palese piacere provato nel suonare questo genere di composizioni.

Applausi premiati da due bis : La marche des Scythes di Royer e La portugaise, ossia il quinto movimento dalla “Suite n.1 in Re minore” di Forqueray.

Ospite come sempre graditissimo, con i biglietti per il secondo concerto (il 5 dicembre) esuriti già a luglio, il violoncellista e scrittore Mario Brunello ha proposto un programma di musiche di J.S.Bach e di G.P.Telemann, figure centrali del Barocco tedesco, che rappresentano due modi diversi, ma complementari di concepire la scrittura strumentale.

Queste le parole del carismatico musicista nelle note di presentazione :

Il programma nasce proprio dal suggerimento di Bach stesso che ha scritto la Sesta Suite per violoncello piccolo ; Telemann con le sue 12 Fantasie per violino senza basso ha creato un nuovo suono del violino dell’epoca e poi la Seconda Partita di Bach che con la Ciaccona ha ispirato molti grandi compositori della storia a misurarsi con nuove sonorità per vari strumenti.

Brunello ha perciò utilizzato il violoncello piccolo, diffondendo una sonorità fresca, celestiale, mentre il pubblico l’ascoltava in silenzio, chi con gli occhi chiusi, forse per immergersi nella bellezza antica.

La scaletta è partita dalla “Suite n.6 in Re maggiore per violoncello piccolo” di Bach ; è proseguita con la “ Fantasia n.12 in La minore per violino senza basso” di Telemann ; si è conclusa con la “Partita in Re minore per violino”, in cui è presente la Ciaccona, di cui ha parlato Brunello.

Un breve bis, a grande richiesta, spesso eseguito dal celebre violoncellista : il Preludio dalla “Suite n.1 per violoncello solo” di Bach.

Un gradito ritorno è stato anche quello di Mauro Loguercio, violino e Emanuela Piemonti, pianoforte, che stanno registrando per Brilliant Classics (conclusione prevista per il 2028) l’integrale delle Sinfonie di Beethoven, trascritte da Hans Sitt ( Praga, 1850 – Vienna, 1920).

Con il suggerimento al pubblico da parte di Loguercio di dimenticare la versione orchestrale e di arrivare vergini all’ascolto, dopo l’esecuzione della sesta e dell’ottava nel 2025, il duo ha mostrato un soddisfacente interplay e una buona qualità sonora nell’interpretare la quarta (1806) e la settima (1811 – 12) Sinfonia.

Pur nella loro riduzione – scrive nel programma di sala Luisa Bassetto – le Sinfonie vengono restituite in maniera brillante grazie a una paziente e minuziosa ricerca di equilibrio che, senza tralasciare nulla, preserva la ricchezza della partitura attraverso il sapiente utilizzo della caratteristiche del violino e del pianoforte e delle loro molteplici possibilità teniche, armoniche e timbriche. Applausi cordiali e sinceri hanno sortito un bis dal medesimo programma.

L’ultimo concerto, prima della lunga pausa estiva, si intitolava Al Bunduqiyya. The lost Concerto.

Al Bunduqiyya è il nome con cui viene chiamata Venezia in arabo. Il Concerto perduto è un omaggio alla città lagunare, luogo di convivenza, di comunità e culture diverse.

Il titolo è lo stesso di un disco uscito un paio d’anni fa. A San Giorgio è stato eseguito quasi interamente ; protagonisti il violoncello solista Giovanni Sollima ; il violino concertatore Federico Guglielmo, già ascoltato allo Squero con organici propri ; l’ensemble Il Pomo d’Oro, fondato nel 2012. La sua formazione varia sia nel numero che nei nomi dei musicisti, scelti secondo l’adattabilità ai diversi programmi.

Il Concerto perduto (2021), per violoncello, archi e continuo, è il frutto della ricerca di Sollima su due frammentari Concerti per violoncello di Antonio Vivaldi, i cui manoscritti esistenti recano l’iscrizione “A Teresa”, verosimilmente una delle allieve dell’Ospedale della Pietà. Il lavoro è tratto dall’unico materiale superstite, vale a dire le parti per viola conservate nella biblioteca del Conservatorio di Venezia. Da lì Sollima ha creato le restanti parti del concerto, compresa quella solistica del violoncello. L’esecuzione dal vivo - nei consueti tre movimenti Allegro – Adagio – Allegro, è iniziata a tutta birra sia da parte dello strumento solista che dell’intero ensemble – Giampiero Zanocco, Laura Andriani, violini ; Francesco Galligioni, violoncello (musicista spesso protagonista allo Squero assieme al clavicembalista Roberto Loreggian) ; Vanni Moretto, contrabbasso ; Lorenzo Feder, clavicembalo ; Gianlica Geremia, tiorba, uno strumento italiano nato tra la fine del ‘500 e i primi anni del ‘600, indicato anche come “chitarrone” - . Avvincente l’assolo di Sollima, che ha scritto alcuni stacchi, su cui entravano in perfetta sincronia tutti i musicisti. Di base, quando si ascolta Sollima, c’è una sonorità e un modo di suonare che ti prende e ti rende felice.

Delicata, dalle “26 Sonate per violino”, la n.12 in Sol maggiore, Aria del Tasso e Gondoliera “Lieto ti prendo e poi”, per violino solo ed elaborazione per violoncello, sempre di Sollima, con tre soli strumenti coinvolti : oltre ai due citati, la tiorba.

C’è spazio anche per antiche melodie tradizionali : Moj e bukura More (O bello ancora), una canzone popolare albanese che evoca il desiderio di un viaggiatore per la bellissima terra di Morea, il nome adottato nel Medioevo per indicare il Peloponneso ; Kartsilamades, una tipica danza popolare cipriota assai ritmica conosciuta anche come Anti krystos o “faccia a faccia”. Probabilmente ebbe origine nel nord della Turchia e fu portata in Grecia dai membri della grande comunità greco – anatolica. Tre le elaborazioni di Sollima, proposte dai musicisti.

Si ritorna a Vivaldi, con la Sinfonia avanti l’opera Dorilla in tempe, il cui adagio finale presenta il tema della “Primavera” ; e con il Concerto in Fa maggiore Il Proteo, ossia il mondo al rovescio, prima del brano finale The family Tree, che sembra ricordare le celebri “ Tarde Follie”, danze solenni, drammatiche, maestose che stimolavano i musicisti a virtuosismi incredibili.

Applausi intensi e vocalità in un pubblico soddisfatto hanno ottenuto, dai musicisti visibilmente e comprensibilmente provati, due brevi bis :

un canto armeno di cui non esiste lo spartito e Trunk.

Oltre al fedelissimo strumento “Francesco Ruggeri” del 1679, Sollima ha alternato un violoncello bianco/crema, costruito, se ho capito bene, da un liutaio siciliano.

La stagione dei concerti di Asolo Musica riprende sabato 14 con il Quartetto di Venezia, che diventerà a volte Quintetto per la presenza di Massimo Mercelli al flauto.

Tutto esaurito il 5 dicembre per Mario Brunello, il quale proporrà un programma di Suites di J.S.Bach e di Toccate e composizioni solistiche di Francesco Paolo Scipriani (Conversano, 1678 ; Napoli, 1753).

Conclusione affidata al QDV il 12 dicembre, nell’attesa di un programma scoppiettante per il 2027.